os segredos do sucesso dos filmes de Alfred Hitchcock, segundo o próprio diretor

“Acredito em colocar o terror na mente do público, e não necessariamente na tela”, disse o diretor do cinema Alfred Hitchcock disse à BBC em 1964, quando questionado sobre como ele aperfeiçoou sua incrível habilidade de manter o público nervoso no cinema.

O cineasta, que completaria 125 anos esta semana, explicava ao apresentador da BBC Huw Wheldon que sua destreza em construir e manter o suspense cinematográfico estava enraizada em sua compreensão intuitiva de psicologia humano.

Hitchcock já havia, a essa altura, revolucionado o gênero thriller com uma série de filmes clássicos que mexeram com a psique do público, como Um corpo caindoPsicose e Pacto Sinistro.

Um mestre na arte de construir lentamente a tensão na tela, ele acreditava que o segredo do suspense não era apenas chocar os espectadores, mas também manipular sutilmente sua percepção e emoções.

Nas cenas de seus filmes, ele construiu gradativamente uma ameaça cada vez maior, prolongando a expectativa do público de que algo terrível poderia acontecer a qualquer momento.

Até que, quando finalmente acontece, os espectadores são inundados por uma imensa sensação de alívio.

Numa sequência assustadora de Os pássarosa partir de 1963, em que criaturas de repente começam a realizar ataques violentos bizarros e inexplicáveis ​​contra as pessoas, Hitchcock demonstrou esta arte.

Na cena, Melanie, interpretada pela atriz Tippi Hedren, aparece fumando em um parquinho ao som de crianças cantando. A câmera gira constantemente entre Melanie e o número crescente de corvos pousando em um playground atrás dela.

Cada foto de Melanie é um enquadramento mais próximo de seu rosto, aumentando a percepção do público sobre sua ingenuidade em relação ao perigo crescente que o bando de pássaros representa para ela.

Hitchcock comparou-se a um operador de montanha-russa: sabendo até onde levar seu público para emocioná-lo, mas não ao ponto de torná-lo desagradável.

“Eu sou, de certa forma, o homem que diz, na hora da construção, ‘quão íngreme podemos fazer a primeira descida?’, e ‘isso vai fazê-los gritar'”, explicou ele.

“Se você descer muito fundo, os gritos continuarão enquanto o carro inteiro cair do penhasco, e isso destruirá todo mundo. Então você não pode ir muito longe, porque você quer que eles saiam da montanha-russa rindo de você. , como a mulher que sai do filme, um filme muito sentimental, e diz: ‘nossa, chorei muito’.”

O diretor chamou essa sensação de “a satisfação da dor temporária”.

As pessoas irão “suportar as agonias de um thriller”, desde que você lhes dê alguma forma de liberação catártica de tensão.

Ele aprendeu o preço de ir longe demais quando fez sua filme de ação de espionagem em 1936, O marido era o culpado.

O filme conta a história de uma mulher que aos poucos descobre que seu marido está planejando um ataque terrorista. Quando lançada, a obra foi recebida com resposta morna do público e da crítica.

Hitchcock colocou a culpa em uma cena específica do filme. Nele, a tensão aumenta constantemente enquanto um menino viaja por Londres para entregar um pacote, sem saber que na verdade está carregando uma bomba-relógio.

O público já viu a bomba, aumentando as suas expectativas de desastre iminente.

A sequência então oscila entre cenas do menino, do pacote-bomba e de vários relógios pelos quais ele passa, mostrando que o tempo está se esgotando.

“O tempo está passando, é hora de a bomba explodir em tal ou qual ocasião, e eu projetei essa coisa, suavizando tudo”, disse Hitchcock à BBC.

“Então alguém deveria ter dito ‘Oh meu Deus, há uma bomba’, pegá-la e jogá-la pela janela. Bum! Mas todos estão aliviados.”

“Mas cometi um erro, deixei a bomba explodir e matar alguém. Técnica ruim. Nunca mais fiz isso.”

Ação sem palavras

Hitchcock sabia que, para que o suspense funcionasse, ele precisava estar enraizado na expectativa de perigo do público.

Portanto, os espectadores precisavam estar cientes de coisas que eram desconhecidas dos personagens do filme. Dessa forma, eles poderiam saber com antecedência o que poderia acontecer e se preocupar com o resultado.

O diretor planejou meticulosamente suas cenas para oferecer ao espectador esses fatos necessários, permitindo a criação de situações de suspense.

Em seu clássico de 1959, Intriga Internacionalna famosa cena em que Roger Thornhill, interpretado pelo ator Cary Grant, é aterrorizado por um piloto de pulverização agrícola, as tomadas em grande angular mostram o quão plana e nua é a paisagem.

Então, quando Grant é atacado pelo avião e seu suposto assassino começa a atirar, o público já sabe que não há lugar para ele se proteger.

Às vezes, Hitchcock ampliava detalhes pequenos e reveladores, forçando o espectador a vê-los.

Em uma cena crucial de Janela traseiraa partir de 1954, a câmera dá um zoom para mostrar as mãos de Lisa Fremont (Grace Kelly) sinalizando para LB Jeffries (James Stewart), que está assistindo do prédio do outro lado da rua, sua descoberta do anel da Sra.

A câmera se aproxima para ampliar o rosto do marido assassino Lars Thorwald (Raymond Burr), que percebe que Lisa está sinalizando.

Ele então levanta a cabeça para ver para quem ela está sinalizando e de repente percebe que Jeffries está observando.

Sem qualquer diálogo, o público agora sabe que Lisa e Jeffries estão em perigo.

Embora Hitchcock fosse extremamente hábil em usar o som ou o silêncio para aumentar o impacto cinematográfico, como os icônicos violinos estridentes de Bernard Herrmann em Psicose, Em 1960, ele se considerava principalmente um contador de histórias visual.

Ele começou sua carreira dirigindo filmes mudos na década de 1920 e aprendeu a ultrapassar os limites do que a câmera normalmente poderia fazer.

Ele constantemente experimentava movimentos de câmera ousados ​​e edições inovadoras para transmitir detalhes essenciais da trama, motivações dos personagens ou seu estado emocional.

Ele costumava usar planos gerais subjetivos (que mostram a perspectiva do personagem) para envolver intimamente o público na história, levando-o a ter empatia com a situação do personagem principal.

Podemos ver isso em seu filme de ação 1958 sobre obsessão, Um corpo caindo.

Nele, ele usou o agora famoso boneco de zoom — uma técnica desconcertante em que a câmara se aproxima e ao mesmo tempo se afasta — para permitir que os espectadores experimentem a sensação de medo, choque e desorientação enquanto o seu protagonista é dominado pela vertigem, ajudando a criar essa ligação emocional.

Em Janela traseirao público assiste grande parte do filme do ponto de vista de Stewart, em uma cadeira de rodas, enquanto ele espiona seus vizinhos.

Os espectadores veem os acontecimentos se desenrolarem através dos olhos de Stewart, descobrindo pistas sobre o assassinato de seu vizinho ao mesmo tempo que ele, aumentando a inquietante tensão voyeurística do filme.

Jogos mentais

Fazer com que seu público tivesse esse envolvimento emocional foi essencial para que Hitchcock pudesse manipular o modo como os espectadores se sentiam.

Isto, pensou ele, era muito mais importante do que os temas do filme.

Foi Hitchcock quem popularizou o termo “MacGuffin”, um dispositivo narrativo que impulsiona a motivação do enredo e do personagem sem significado intrínseco.

“Não me importo com o conteúdo”, disse ele ao apresentador da BBC Huw Wheldon.

“O filme pode ser sobre qualquer coisa, desde que eu faça o público reagir de uma certa maneira a tudo que coloco na tela. Se você começar a se preocupar com os detalhes do que são os papéis que os espiões estão tentando roubar, isso é um monte de bobagem. Não posso me preocupar com os documentos que os espiões estão procurando.”

E Hitchcock sabia que não era necessário mostrar tudo ao público para provocar esse tipo de sentimento intenso e que o que o público imagina é muitas vezes mais assustador do que aquilo que realmente vê.

Em Psicosehá uma cena famosa que revela seu domínio na composição e edição para extrair o máximo de reação emocional dos espectadores.

Como disse o jornalista Tom Brook, do programa Filmes faladosda BBC, em 2020: “Nenhuma descrição verbal de Psicose pode transmitir seu verdadeiro impacto visceral.”

Na sequência, a personagem Marion Crane (Janet Leigh) é esfaqueada no chuveiro. A cena é apresentada com uma montagem rápida, que oscila entre imagens do agressor com a faca em movimento, justapostas a closes de seu rosto aterrorizado, acompanhados por uma trilha sonora dissonante e estridente.

O ritmo intenso da montagem, impecavelmente sincronizado com os sons estridentes, gera no espectador um profundo sentimento de violência, vulnerabilidade e pânico, sem realmente mostrar imagens explícitas de sangue ou da faca entrando na vítima.

“Eu tornei tudo deliberadamente muito difícil”, disse Hitchcock.

“Mas à medida que o filme se desenrolava, eu colocava nele cada vez menos terror físico, porque estava deixando isso na mente do público. À medida que o filme avançava, havia cada vez menos violência; .Eu estava transferindo isso do filme para suas mentes.”

“Então, no final, não houve violência alguma. Mas o público naquele momento estava gritando em agonia. Graças a Deus!”

Leia o texto completo deste relatório (em inglês) no site Cultura BBC.

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